Shireen Seno

Comment vous êtes-vous intéressée à l’art et quand avez-vous su que vous vouliez faire des films ?

J’ai grandi dans une famille philippine au Japon. Mes parents ont migré au début des années 80, je suis née là-bas. Ma mère était professeure dans une école internationale, très tôt j’étais censée représenter les philippines dans cette école. Ça m’intimidait beaucoup d’autant plus que je me sentais très loin des Philippines. J’ai été exposée à l’art à travers mes sœurs, la plus grande était céramiste et la deuxième était peintre. Je ne pensais pas avoir de sensibilité artistique, j’étais une geek, je faisais des sites internet au lycée. J’ai fini par aller étudier à l’Université de Toronto où j’étais très ouverte à de nouvelles expériences. J’étais heureuse d’être loin de ma famille et du Japon. C’est à Toronto que j’ai eu une révélation en quelques sortes. Je voulais étudier l’architecture et par chance, j’ai aussi pris un cours sur le cinéma japonais qui a été déterminant pour moi. C’était un cours qui explorait le développement parallèle du cinéma et du capitalisme au Japon. Ça m’a ouvert les yeux sur le pouvoir du cinéma et tant d’autres choses que je ne comprenais pas étant enfant et qui soudain prenaient tout leur sens. Je suis tombée amoureuse des films mais je ne pensais pas en faire moi-même. J’en regardais beaucoup, je lisais, je faisais du commissariat et de la programmation... À Toronto, il y a tellement de choses à voir, tous les jours ! C’est une ville de cinéma. Je suis aussi tombée sur une copie VHS d’un film Philippin de 1979, Perfumed Nightmare de Kidlat Tahimik. C’est un journal filmé dans lequel il joue. C’est un cinéaste qui a étudié l’économie aux Etats- Unis puis s’est retrouvé en Europe à la fin des années 70 et a décidé de devenir artiste. Il a tout quitté pour changer de vie. Quand j’ai vu ce film, très brut et très drôle, cela m’a donné envie de voir plus de films philippins. C’est aussi à cette époque qu’on a commencé à voir apparaître les films de Lav Diaz. Le festival de Toronto a montré son film Evolution of a Filipino Family (2004) quand j’y étais. Je suis ensuite retournée au Japon, j’avais la sensation qu’il fallait que je revienne là-bas pour clore un chapitre de ma vie. J’ai la sensation d’avoir grandi dans une bulle, dans une école internationale, sans être réellement immergée dans la culture du pays. Quand je suis revenue, j’ai commencé à faire de la photographie et j’ai eu la sensation d’avoir trouvé un outil qui me convenait. Je voulais aussi programmer des films et montrer des films philippins au Japon pour essayer de sortir de l’image mainstream qu’on peut avoir des Philippines à travers la télévision et des reportages misérabilistes et racoleurs. J’ai décidé d’aller à Manille pour voir ce qui se faisait là-bas, les mouvements punks, etc. J’ai ressenti une vraie connexion et j’ai fini par y emménager et y faire des films.

Quels sont les points de départ de...
    Nervous Translation ?

Je crois qu’il y a un fil conducteur dans mon travail, j’essaie toujours de comprendre ce que cela signifie de grandir, c’est un peu le dénominateur commun à tous mes films. J’ai la sensation qu’on m’a imposé un chemin étant enfant, mes parents avaient tout prévu, mon métier, l’école où j’étudierai... Ils pensaient que j’allais vivre aux Etats- Unis et gagner suffisamment d’argent pour les aider. Quand je fais des films, j’essaie de travailler sur mes souvenirs et de créer quelque chose de nouveau à partir de cette période de ma vie. L’histoire de Nervous Translation vient d’un rêve que j’ai fait dans lequel je devais chercher un stylo pour « traductions nerveuses ». J’étais très intriguée par cette formule et j’ai eu envie d’explorer cette piste. C’est devenu un mélange de mes souvenirs d’enfance dans les années 80 et de ce rêve. Après avoir fait ce deuxième long-métrage, j’avais envie de revenir à une expérience plus solitaire. Faire un film de cinéma, c’est un travail de groupe et je suis très introvertie donc j’avais besoin de faire des films dans mon coin pour quelques temps. 

    A child dies, a child plays, a woman is born, a woman dies, a bird arrives, a bird flies off ?

A child dies… est né de ma peur des oiseaux et de la fascination de ma fille pour ces mêmes animaux. C’est un projet encore en cours. À cause de la pandémie, j’ai demandé à des amis amateurs d’oiseaux s’ils pouvaient partager avec moi leurs images. Je les ai donc ensuite associées à des vidéos tournées chez moi en famille, de ma fille qui grandit et de ma mère qui vieillit. C’est aussi une façon pour moi de préparer un long-métrage qui s’intitulera The Wild Duck. C’est un film qui s’inspire de l’histoire de mon père aux États-Unis. Le projet s’intéresse aux migrations dans toutes leurs formes et à la façon dont les oiseaux, comme les humains, trouvent le moyen de survivre dans n’importe quel environnement. J’ambitionne de filmer la plus grande variété d’oiseaux possible capturée à travers plusieurs générations de techniques d’enregistrement vidéo.

    To Pick a Flower ?

J’ai fait To Pick a Flower pendant la pandémie. Il fallait que je fasse un film avec ce que j’avais sous la main. J’ai trouvé énormément d’archives de l’époque coloniale aux Philippines sur les sites d’universités américaines. J’ai exploité ce fond en cherchant une porte d’entrée pour un éventuel film. J’ai toujours vu la nature comme un havre de paix. J’ai fini par tomber sur ces photos issues de l’industrie du bois. Ma mère me disait toujours que la table de la salle à manger était aussi vieille que moi. J’ai longtemps pensé que c’était une façon étrange de parler d’un meuble et j’ai toujours voulu mettre cela dans un film. C’est cette anecdote qui m’a amenée à m’intéresser aux débuts de la photographie aux Philippines en lien avec l’évolution du capitalisme et de l’industrie du bois.